O Pif Paf de Millôr - Parte 2 [Isabella Lucas] #2

A coluna Pif Paf, da Revista O Cruzeiro, caracterizava-se por realizar, predominantemente, a crítica de costumes, mesclando poemas e sátiras, crônicas e fábulas em uma mesma página. A coluna foi definida como “uma elaborada combinação  de grafismos malcomportados e tiradas demolidoras, [onde] o cético Millôr levou a sério suas máximas livre pensar é só pensar e divagar e sempre”.QUEIROZ, Andréa Cristina de Barros.PIFPAF e Millôr: a densidade em tempos de efemeridade.) 

Pif Paf enquanto coluna diferenciava-se de Pif Paf revista principalmente quanto à temática de seu conteúdo. Enquanto a primeira era mais sutil e, de certa forma lúdica (havia a seção 'Composissão Infantiu), a segunda era mais comprometida com a crítica política (mas sem deixar de lado a critica de costumes). A razão para essa discrepância é clara: uma vez inserida em um jornal de uma grande cadeia, os Diários Associados, a coluna devia alinhar-se aos interesses deste veículo, não possuindo muita autonomia - tanto é que Millôr foi demitido d'O Cruzeiro justamente por ter escrito uma fábula que questionava a condição humana e os personagens bíblicos, contrariando os interesses religiosos. Já a revista Pif Paf, um veículo da imprensa alternativa, distinguia-se dos grandes jornais principalmente pelo não alinhamento político e pela oposição aos setores dominantes, pela hierarquia redacional e pela tentativa de independência financeira. 

Justamente por realizar a crítica ao regime militar e ter sido um periódico independente e sem anunciantes, a revista Pif Paf teve vida efêmera: durou apenas quatro meses, totalizando oito exemplares. O ponto forte a ser destacado na publicação é a irreverência de seus autores, que faziam piada da dor, como gostava de dizer o próprio Millôr. O último volume da revista trazia o golpe final ao regime, a crítica mais afiada e, ao mesmo tempo, sutil:

"Quem avisa, amigo é: se o governo continuar deixando que certos jornalistas falem em eleições; se o governo continuar deixando que determinados jornais façam restrições à sua política financeira; se o governo continuar deixando que alguns políticos teimem em manter suas candidaturas; se o governo continuar deixando que algumas pessoas pensem por sua própria cabeça; e sobretudo, se o governo continuar deixando que circule esta revista, com toda sua irreverência e crítica, dentre em breve estaremos caindo numa democracia". (PifPaf, 1964: n° 8)

Obs.: o texto de referência para este post foi trocado, pois o que eu havia previsto não acrescentava muito à minha pesquisa. Por isso, ao invés de ler A Bíblia do Caos, de Millor, li o referido texto de Andréa Queiroz. 

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Nuberu Bagu - Cinema histórico, violento e melodramático [Johnatan Ferreira] #2

Há que se destacar como a Nouvelle Vague Japonesa se desenvolveu num âmbito diferente dos novos cinemas que foram se irrompendo mundo afora nas décadas de 60 e 70. Não havia ainda um cinema independente expressivo como na França e as primeiras produções dessa geração foram todas dentro dos grandes estúdios.  A movimentação acontecia internamente e os jovens diretores que iam sendo contratados exerciam mais a profissão por necessidade de sobrevivência nesse Japão pós-guerra e sofrendo uma americanização intensa, do que propriamente por causa de uma paixão avassaladora para com a sétima arte.

Shinjû: Ten no amijima

Masahiro Shinoda foi um desses novos diretores, e como Lucia Nagib aponta no livro “Em torno da Nouvelle Vague Japonesa”¹  ao ser admitido na produtora Shochiku em 1953, ele reflete o estado contemporâneo e jovem da época com longas fervorosos em sua violência e melodrama.

Shinoda compreendia esse Japão antigo que deixava de existir, capturando em seus primeiros filmes esse país em ruínas, e encontrando as faces e histórias das pessoas por baixo desse desmoronamento. “Lago Seco” (Kawaita mizuumi ,1960) se foca na vida de um jovem em contato com  profundas modificações politicas na sociedade em que vive. Registrando esse mundo de intrigas com a câmera na mão que entrava em voga, o diretor também utiliza tomadas documentais para compor esse quadro de um país não muito próximo da prosperidade. Em “O meu rosto vermelho ao pôr-do-sol” (Yuhi ni akai ore no kao, 1961) que trata de um grupo de matadores profissionais, encontramos no final feliz e na transformação de uma assassina sem escrúpulos numa mulher apaixonada querendo justiça, algumas fagulhas de um otimismo raro na Nuberu Bagu, em meio a um virtuosismo técnico incrível que Shinoda mantem no filme, com belíssimos planos e uma fotografia absurda.

Yuhi ni akai ore no kao

Masahiro incorpora não só um nacionalismo latente ao ver esse Japão presente e posteriormente ao voltar para a história do Japão passado, mas também por apreciar amplamente as artes que ele tanto foi influenciado. Da literatura ao bunraku (teatro de bonecos)². Se em “Assassinato” (Ansatsu,1964)  ele valoriza o drama de época numa perspectiva trágica e quase niilista , em “Duplo suicídio em Amijima” (Shinjû: Ten no amijima ,1969) encontramos uma força estilística com plena liberdade criativa. Ele já havia saído da Shochiku na época e desenvolveu este filme com grande beleza formal e enquadramentos de uma plasticidade em plena consonância com sua mise-en-scène quase teatral e uma trama auto-reflexiva mostrando a fragilidade do amor e a fatalidade do destino.

Ansatsu

_________________________
¹  NAGIB, Lúcia. Em torno da Nouvelle Vague Japonesa. São Paulo, Ed. Unicamp, 1993. 

²  idem

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Propagandas Aqui e Lá [Filipe Mendonça] #2

Agora que já introduzi o tema, vou analisar o comercial de uma mesma marca em diferentes países (ou continentes). A campanha "Reasons to Believe" (razões para crer, em português), que a Coca-Cola lançou recentemente em comemoração aos seus 125 anos e foi divulgada em todo o mundo tem o objetivo de passar otimismo e dar motivos para as pessoas acreditarem em um futuro melhor através da apresentação de estatísticas. Primeiro vamos analisar a propaganda original, que foi feita pela agência de publicidade da Coca-Cola na Colômbia:

Como se pode ver a propaganda apresenta valores bem universais: amor, paz, família, solidariedade, etc. Como dito, ela é originalmente da Colômbia e acabou virando a campanha mundial da Coca-Cola. Porém, foram feitas algumas modificações em alguns países - umas pequenas, outras marcantes. No Brasil, a propaganda é praticamente a mesma, mas uma das estatísticas apresentadas diz respeito ao meio-ambiente e ao fato do Brasil já reciclar 98% das latinhas de alumínio (nada que chame muito a atenção). Na propaganda que foi veiculada na Índia, na África, e na Venezuela, por outro lado, a diferença é bem mais notável.

Na Índia a trilha sonora da propaganda foi substituída por uma canção do país, e as estatísticas já são mais características do local (diminuição da taxa de analfabetismo, por exemplo). Na África (vídeo abaixo), além de também terem trocado a trilha, o nome da campanha chegou a mudar de "Reasons to Believe" para "A Billion Reasons to Believe in Africa", mostrando estatísticas exclusivamente africanas em contraste com o mundo, ou seja, está mais para uma campanha "enquanto o mundo piora, a África está melhorando" do que a original que mostrava razões para acreditar em um mundo melhor. Assim como na propaganda africana, na Venezuela também ocorre uma valorização do país e não do mundo como um todo.



Mas por quê a campanha se alterou tanto nesses países?

Além de ser um dos países que mais crescem economicamente, a Índia, que tem uma população bem tradicional, busca reconhecimento e expressão de seus valores, e por isso apresenta, de certa forma, um pouco de resistência à "ocidentalização". Isso pode ser visto, por exemplo, pelo crescimento do cinema nacional, que faz mais sucesso que o estrangeiro (diferente do que acontece no Brasil e muitos outros países mais influenciados pelos EUA). Para ser melhor aceita e ter maior relação com o público, a propaganda foi alterada.

O continente africano, por sua história de exploração e ainda recente desigualdade em relação aos outros continentes, é vista (tanto pelos nativos quanto pelos estrangeiros) como uma parte excluída do resto do mundo. Dessa forma, é mais impactante para os africanos se sentirem melhores e rumo à igualdade aos outros países do que ver que o "mundo" - do qual se sentem excluídos - melhorando. A campanha venezuelana, por sua vez, é também uma comemoração aos 200 anos de independência do país, mas deve se levar em conta também que é governada por um presidente populista e que não mantém boas relações econômicas com os EUA, logo, é importante para a Coca-Cola apresentar um discurso que valorize o país tanto para atrair o público quanto para se manter uma boa convivência com o governo.

Esse foi um exemplo de como a cultura de um país pode influenciar o marketing - mesmo sendo de uma grande marca como a Coca-Cola.

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Nausicaä, a princesa do vento e da água [Mariana Pereira] #2

Nausicaä do Vale do Vento é um dos filmes mais icônicos de Hayao Miyazaki, no qual o diretor pode demonstrar todo seu potencial como criador independente, adaptando o mundo que tinha previamente criado no mangá para as grandes telas.
A história se passa em um planeta que, devastado por uma guerra que quase dizimou a população mundial, se encontra coberto por uma floresta em estado de putrefação, lar de insetos mutantes e plantas que liberam gases tóxicos na atmosfera. Nausicaä é a princesa de uma comunidade que conseguiu sobreviver em um dos poucos vales férteis, e para defender sua terra e seu povo de ameaças estrangeiras, enfrenta vários desafios e tem seu caráter constantemente colocado à prova.

Nausicaä em seu planador: forte conexão com elementos aéreos

O filme, além de possuir storyboards primorosos e animação de primeira qualidade, também se destaca pela complexidade dos personagens e de suas motivações. Esse não é o seu típico filme épico, retratando a saga de um homem em busca da poder e riquezas, que derrota todos os seus inimigos graças à seus atributos físicos extraordinários. As cenas de ação existem, mas Nausicaä, em primeiro lugar, adota uma postura científica, buscando descobrir as razões por trás dos conflitos ao invés de sair em uma cruzada sem propósito. A princesa é forte e habilidosa, mas também intuitiva e altruísta, sendo identificada, portanto, com a água e o vento, dois elementos poderosos e fluidos. Quando perguntaram ao diretor porque a preferência por uma jovem mulher como sua personagem principal, ele respondeu: “Nausicaä não é uma protagonista que derrota um oponente, mas uma protagonista que entende, que aceita. Ela é alguém que vive em uma dimensão diferente. Esse tipo de personagem deve ser feminino e não masculino” (citado em MCCARTHY, Helen. "Hayao Miyazaki: Master of Japanese Animation. Berkeley: Stone Bridge Press, 2009). 

Podemos então perceber que as mulheres são consideradas elementos essenciais na transformação de simples solução de problemas em pensamento intricado, sensível e receptivo. As mulheres de Miyazaki são deusas da água e do vento, da mudança e da adaptação.

Tal visão também pode ser observada nos filmes que analisarei na próxima semana, “Princesa Mononoke” e “O Castelo no Céu”. 

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Imagine a city where graffiti wouldn't be illegal [Júlia Amaral] #2

Imagine uma cidade em que todos fossem livres para desenhar e os muros estivessem cheios de cores e frases; uma cidade que parecesse uma festa para a qual todos foram convidados, e não somente agentes do governo e magnatas de grandes empresas. Essa é a cidade ideal de Banksy, o artista urbano (supostamente) britânico, tema de meu post de hoje.


A identidade do artista é desconhecida - pena que não pude comprá-la quando estava sendo ofertada no eBay. Existem reportagens que teriam sido feitas com ele, divagações sobre como ele lucra com a mídia que critica, especulações de que ele tira renda de seu trabalho vendido por agentes, discussões sobre sua rixa com Robbo e até editoriais inspirados na figura mítica de Banksy. Essas curiosidades, porém, foram descobertas com uma rápida pesquisa no Google; não foram meu foco, nem consumiram muito tempo em minha quinzena de estudos sobre arte urbana.


Nas últimas duas semanas, dediquei-me a selecionar trabalhos no livro "Wall and piece" e assisti novamente o filme "Exit through the gift shop", ambos projetos de Banksy. Por meio destes e de seu site, pude observar algumas características do artista britânico: Banksy demonstra ironia frequentemente e apresenta fortes críticas à sociedade capitalista em todas as suas formas (consumismo, elitização da arte, exploração dos recursos naturais, publicidade e propaganda).


Um tema recorrente nas obras e falas do artista é a publicidade. Banksy afirma que as empresas vandalizam a cidade, espalhando seus slogans por todas as partes, incitando o indivíduo a comprar seus produtos. Essas mesmas empresas não entendem graffiti, porque acreditam que nada pode existir a menos que gere lucro. Banksy ainda ironiza dizendo que graffiti só é perigoso para três tipos de pessoas: políticos, publicitários e graffiteiros. A manifestação nos muros é a melhor forma de contra-atacar e responder as empresas, segundo o artista.


Um trecho do livro "Wall and piece" apresenta outra crítica, à elitização da arte. Tomei a liberdade de traduzi-lo livremente: "Ao contrário do que muitos dizem, graffiti não é a forma mais baixa de arte. (...) essa é, na verdade, uma das formas de arte mais honestas disponíveis. Não há elitismo ou hypeness, ela exibe-se nos melhores muros da cidade e niguém é excluido pelo preço da entrada.". A ideia transmitida assemellha-se à proposta por Shepard Fairey, como relatarei em meu próximo post.

Pintura no muro da Palestina

Suposta reação de um senhor às pinturas de Banksy no muro da Palestina

Banksy brinca com o efeito causado por obras modernistas

Quadro afixado por Banksy no Louvre

Arte urbana: a "peste" que se espalha

"Qualquer propaganda em espaço público (...) é sua (...) para pegar, modificar, reutilizar"

Referência bibliográfica:
BANKSY. Wall and piece. Editora Random House UK, 2007, 240 p.

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"Faz-me rir" [Bruna Sanchez] #2

Continuando os estudos da semana anterior, fiz uma pesquisa mais aplicada do humor, agora que já fui introduzida no assunto. O texto A CRIAÇÃO NA PUBLICIDADE – UMA PERSPECTIVA HUMORÍSTICA foi bastante interessante de ser estudado porque me ofereceu uma nova perspectiva a respeito da abordagem do humor na comunicação. Além de destacar a forte influência da comicidade na relação positiva entre o receptor e o discurso publicitário, o autor também faz o uso de teorias da psicanálise (Freud), da sociologia (William H. Martineau) e da comunicação (Stuart Hall) para explicar como o próprio processo criativo de uma peça pode ser facilitado ou dificultado de acordo com o estado de humor do profissional de criação. Trazendo isso para uma realidade de agência, ele explica quando e como o humor interfere no próprio processo da criação publicitária.
Já o artigo Fazendo rir para conseguir vender estabelece uma classificação mais especifica nas quais as campanhas publicitárias podem se encaixar:

• humor fático: aquele que a comicidade faz referências a elementos que ultrapassam a marca ou produto anunciado, disfarçando as relações econômicas existentes ali.

• humor comercial: o humor faz relação com alguma característica do próprio produto

• humor emotivo: aquele que a graça depende e incide na performance do ator que, muitas vezes, se presta ao ridículo:

• Humor intertextual: o humor remete a um quadro discursivo anteriormente enunciado de maneira a evidenciar o ridículo tanto de consumidores quanto de concorrentes. É o que mais se aproxima do “riso de zombaria” da teoria de Propp analisada na quinzena anterior.

O texto O riso e o grotesco na publicidade, por sua vez também toma os estudos de Bergson e Propp quando defende a idéia de que nas relações onde o humor ocorre, há o reconhecimento do ridículo e a tentativa de se distanciar desse ridículo através do riso e, quando associado a publicidade, através da compra do produto que também irá assegurar esta distância.

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Um olhar feminino na Nouvelle Vague [Isabela Guimarães] #2

Nessa quinzena me deliciei com quatro filmes lindos da diretora belga Agnès Varda. Coloco aqui os links de alguns trechos de filmes que achei fantásticos e que ajudarão na leitura do post. Porém, não consegui todos eles com legendas:

Le Bonheur (1965)

http://www.youtube.com/watch?v=cnkXP5rBOQ8

Cléo de 5 às 7 (1962)

http://www.youtube.com/watch?v=kVvHG5rd824 

L'Opéra-Mouffe (1958)

http://www.youtube.com/watch?v=zJjxTydfJSk

La Pointe-Courte (1955)

http://www.youtube.com/watch?v=uA0ajUmmYj8

A escolha dos filmes foi baseada nos anos (os mais próximos ao início da Nouvelle vague) e também por indicação da professora Cláudia Mesquita. 

Percebi que os filmes dessa quinzena, de Agnès Varda, possuem uma temática mais afetiva, que tratam dos senitmentos dos seres humanos nas mais diversas situações. O filme Cléo de 5 às 7, por exemplo, trata da agonia, da tensão da jovem e bela cantora de rádio Cléo durante 1 hora e meia enquanto espera o resultado de um exame, que, como se pode deduzir com o filme, confirmará uma suspeita de câncer. Varda disse sobre as situações mostradas no filme: “Eu queria me aproximar dos momentos dos quais não se espera nada e que se revelam mais tocantes que outros” (1) Além disso, é interessante notar, inclusive nesse trecho do filme, o quanto a personagem se endeusa e como Agnes trata disso.

No meu entendimento, essa frase da diretora pode ser usada para compreender os outros filmes dela, pois eles têm roteiros, em certa medida, com histórias dramáticas, sim, mas sem grandes acontecimentos (como explosões, tiros, ou outros tipos de surpresa), mas que me atingiram profundamente de maneira mais sutil, sentimental. Além do filme citado acima, outro que me tocou de forma semelhante foi o Le Bonheur (A felicidade), que tematiza um triângulo amoroso de um homem casado e uma amante. O curioso é que o homem não é infeliz com sua esposa (declaradamente, ele assume à amante) e não se pune/culpa por levar dois relacionamentos ao mesmo tempo.
A profundidade do filme, para mim, está no fato de a diretora parecer transmitir naturalidade no comportamento do homem,uma vez que ele decide revelar o caso extra-conjulgal à sua esposa, que, a seguir, parece ter suicidado. Sem dúvidas, esse filme foi o que mais gostei, não só pela temática, mas por ter uma fotografia sensacional, sem contar as montagens e enquadramentos espetaculares e até a combinação de cores que a diretora dispõe. Esse trecho do filme acima ilustra bem isso que admirei, principalmente no quesito dos enquadramentos.

Falando mais de afetividade, isso também ficou evidente nos outros filmes que assisti (L'opéra-Mouffe e La Pointe-courte). No primeiro, a diretora fala sobre uma rua e do que acontece nela, colocando inclusive questões mais pessoais, que afirma numa entrevista  "É preciso dizer que eu estava grávida. Isso não é dito no filme, nem é colocado como uma situação pessoal, mas como um certo olhar. "L'opéra-Mouffe" não é um documentário social, é um certo olhar, o meu, sobre a realidade tal como a senti naquele dado momento, como mulher, como cineasta. Isto é um documentário subjetivo."(2) Essa frase confirma aquela Política dos autores citada no último post, na qual Truffaut pregava a importância do toque do diretor no filme, de maneira que desse para perceber quando um filme "pertence" a um diretor. 

Já no segundo, esse "sentimentalismo" também está presente, pois, além de haver uma retomada do local de nascimento do personagem - trazendo um pouco saudade - há o dilema de um casal, juntos há mais de 4 anos, que enfrentam uma crise. O filme é permeado de conversas muito profundas entre o marido e a mulher, que questionam o amor que se tem pelo próprio amor e contrapõem ao amor pela pessoa que se tem esse sentimento. O casal acaba reatando, pois a mulher - que teve, a princípio, a idéia de se divorciar - percebe que a ligação que eles têm não se romperá jamais, vendo-se, assim, diante do amor que ela tem pelo seu marido per se e não pelo sentimento amoroso.

Agradeço à professora Cláudia pela disponibilidade e pelas dicas dadas. Espero ter sido mais clara neste post.

Referências bibliográficas:
(1) Catálogo do Centro Cultural do Banco do Brasil do ano de 2008 sobre a Nouvelle Vague (disponível online: http://www.lavoroproducoes.com.br/site/downloads/NV.pdf

(2) Catálogo do FORUMDOC.BH.2004, não disponível online, emprestado pela professora Cláudia Mesquita.

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Old but Gold [Idgie Pena] #2

 

A tendência que explorei nessa quizena foi a de peças – em mídias on e offline - que seguem uma linha vintage ou retrô; para perceber o quanto essa estética é atual, basta lembrar do Instagram, aplicativo cuja função era deixar as fotos com um aspecto antigo, e que foi vendido por 1 bi de dólares. Meu material de estudo dessa quinzena foi o livro Design Retrô¹ e o conteúdo disponível nos blogs ChocolaDesign, Designices, Design by Insight e no The Wall Street Journal.

Primeiramente, me ocupei de descobrir a diferença entre os termos.

Para o autor Beat Schneider em Design – Uma Introdução (Ed. Blucher, p. 206), o design retro look “trata-se de uma reinterpretação atual de características históricas do design. Os produtos lembram os seus predecessores, mas, ao mesmo tempo, sua linguagem de produto não deixa dúvidas de que eles provêm da atualidade. De forma simbólica, são referências ao passado e ao presente.” Por exemplo, o ‘New Beetle’ da Volksvagen ou a Linha Retrô da Brastemp. O termo vintage, por outro lado, refere-se a produtos de décadas passadas, mas que ainda podem ser encontrados hoje. Por exemplo, uma bolsa encontrada num brechó ou um daqueles telefones antigos vendidos em lojas de antiguidades.

No que diz respeito ao design, essas duas vertentes se misturam bastante. Separei algumas peças que podem ser classificadas como retrô ou vintage (todos da última década):

 
A partir da observação de diversas peças, pude perceber que elas se dividem em duas linhas, com algumas características em comum e algumas divergências:

Uso de texturas grunge como fundo	Uso de fundos chapados ou de texturas regulares (granuladas, por ex.) ou padronagem
Uso de tons pastéis	Uso de tons pastéis
Combinação entre tipografias espessas e sem serifa – como a Bodoni e a Herald Square -, com serifa – como a Nouvelle Vague – e aquelas que remetem à escrita.	Uso de tipografias mais modernas, mas ainda há combinação entre tipog. sem serifa mais sóbrias – como a Bebas Neue – e outras cursivas, porém sem pretensão de imitar fielmente a escrita, como a Lobster.
-	Uso de pictogramas, badges e banners.
Uso de fotografias que simulam ilustrações	Predominância de vetores

Não consegui definir uma linha como sendo vintage e uma como sendo retro, mas creio que o repertório de elementos estudado é mais importante que a divisão em si.

¹ RAIMES, Jonathan; BHASKARAN, Lakshmi. Design Retrô: 100 anos de design gráfico. São Paulo: Editora Senac São Paulo, 2007.

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A filosofia de Andy Warhol [Yuri Oliveira Guimarães] #2

Warhol consegue ser afiado e extremamente franco em suas declarações, colocando o dedo na ferida de forma simples e sincera, apesar de se tornar enfadonho e exageradamente excêntrico em alguns pontos.

Nessa quinzena, me dediquei a ler o livro "A Filosofia de Andy Warhol: De A a B e de volta a A", de autoria do próprio Warhol.

Devo pontuar que o livro serviu mais para conhecer e compreender os hábitos, a personalidade e a forma como Warhol cria do que o produto dessa criação em si. Isso é estranho se se tem em mente que a resposta que Andy dava a quem lhe perguntava quem era ele era: "Se querem saber tudo de Andy Warhol, só têm de olhar a superfície: vejam meus quadros, meus filmes e minha imagem. Aí me têm. Tudo à vista".

De qualquer forma, gostaria de dissertar sobre dois temas expostos por Warhol no livro. O primeiro é a colocação da arte como um negócio e vice-versa.

"Artista é alguém que produz coisas que as pessoas
não precisam ter, mas que ele - por alguma razão -
acha que seria uma boa ideia dar a elas"

O artista fala sobre a época em que levou três tiros e acabou internado. Diz que, mesmo sem a sua presença, o trabalho na sua empresa não parou e foi então que ele percebeu que tinha um negócio cinético. Andy não vê a si mesmo como um artista aos moldes tradicionais. Ele prefere pensar que é um "Artista Empresarial". Pontua que passou da "arte" propriamente dita para a arte de negócios quando sua empresa fechou um contrato para fornecer um filme por semana para um cinema. Muitas de suas obras eram feitas mais com o propósito de atender uma demanda, um pedido, do que para dar vazão a uma ideia.

Como disse no último post, Warhol abandonou o papel de executor da obra e tornou-se seu produtor. Isso fortalecia ainda mais sua imagem de "Empresário das Artes". "Durante a era hippie, as pessoas desprezavam a ideia de negócios - (...), mas ganhar dinheiro é uma arte e trabalhar é arte e bons negócios são a melhor arte".

O segundo tema que gostaria de tratar é a ligação que Warhol faz entre América (e tudo que é americano) e igualdade. Percebo que o artista não tem medo de assumir sua postura nacionalista e capitalista e faz isso de forma muito pouco hipócrita (algo que não é tão fácil de se encontrar). Andy defende a imagem da América como igualitária através dos seus produtos. Diz que a Coca-Cola que um mendigo podia comprar e beber é igual à Coca-Cola que Liz Taylor e o presidente bebiam. O preço é o mesmo, o produto é o mesmo e todos sabiam disso. Um mesmo programa de televisão, basicamente, é o mesmo para pobres e para ricos, ele não tem versões diferentes para cada um. Para Warhol, o que é igualitário, é americano e quando mais igualitário, mais americano é. Alguns serviços e produtos podem oferecer tratamentos especiais para certas pessoas, mas isso não seria algo americano. Ele fala ainda sobre a Europa Aristocrata e como as diferenças entre pobres e ricos eram reforçadas pela comida de cada um, que dificilmente era igual, e contrapõe isso à comida americana, pois o cachorro-quente de estádio que o presidente Eisenhower comprou para a rainha Elizabeth é o mesmo que qualquer outra pessoa pode comprar pelo mesmo valor de 50 centavos.

É claro que todas essas ideias de Warhol são extremamente questionáveis e eu mesmo discordo de muita coisa que ele defende no livro, mas não deixa de ser algo que faz pensar. Para mim, a experiência mais interessante em ler esse livro foi ver que, mesmo com o não-engajamento, a frieza e o distanciamento de Warhol, ele me fez refletir apenas através de uma exposição.

WARHOL, Andy. A Filosofia de Andy Warhol: De A a B e de volta a A. Rio de Janeiro: Editora de Livros Cobogó, 2008.

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Rebecca, o Oscar [Helena Corrêa] #2

Claro que a primeira coisa que reparei foi o preto e branco do filme. Gostei bastante das técnicas utilizadas por ele. Foi o primeiro filme dirigido por Hitchcock rodado em Hollywood, e isso o ajudou bastante na realização do filme.
Algo que me chamou a atenção na trama foi que a personagem que nomeia o filme está morta! Mesmo assim, ela “vive” através da sombria Srta. Danvers, que alimenta a figura da mulher durante todo o filme. Dentre os momentos em que a figura de Rebecca pode ser imaginada pelo espectador, há um em que destaco. Enquanto Maxim narra o acontecido na barraca (1h31min), a câmera coloca em foco os lugares e objetos narrados por ele; a câmera se movimenta junto com a figura imaginária de Rebecca, o que dá maior vivacidade à cena narrada. E ao fim dessa trajetória, há um quadro que retrata um pequeno barco no mar, o que remete ao final trágico da personagem. Mais uma vez vemos aqui o uso das técnicas imagéticas que complementam o sentido da narrativa.

A fotografia do flime deve ser elogiada. Cito duas cenas: quando a Sra. de Winter chega na mansão e se depara com todos os empregados à sua espera (29min); me pareceu um quadro em preto e branco.

 

A outra cena é quando o coronel, Maxim, Sr. Crawley e dois policiais estão reunidos de costas numa saleta à meia luz, achei belíssima essa cena (1h36min).

Novamente, o close é explorado por Hitch. A cena do “beijo de despedida” entre Maxim e Sra. de Winter mereceu o close, as palavras docemente faladas e a lareira atrás do casal, finalizada com a trilha sonora emocionante. Perfeito!

O suspense em “Rebecca” se dá de forma diferente, não foi por um assassinato diretamente. É mais psicológico, trabalhando a relação entre Rebecca, Srta. Danvers e Sra. de Winter. Sinto que o maior pico de suspense se deu nos últimos minutos da trama, quando tudo parece ter ficado bem e então há uma sucessão de cenas que nos fazem pensar uma coisa diferente a cada momento.

Pela técnica, pela narrativa e por toda a construção da trama, “Rebecca: a mulher inesquecível” mereceu o Oscar.

Referências: http://cineanalise.wordpress.com e http://art-cine.blogspot.com.br

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Segundo percurso tipográfico [Tomás German] 2#

Inicialmente venho a explicar que o processo de estudo da tipografia não pode ser desvinculado ao processo histórico. Desse modo, não analisarei os elementos de uma tipografia, mas sim um período. De início já relatei sobre a caligrafia que tanto influenciou no princípio do processo de construção da tipografia. Agora, falarei sobre o período em que houve o completo desvinculo de tipografia e caligrafia.

Tal momento se deu pós Renascimento e quando as ideias de revolução industrial estavam se desenvolvendo. No período as referências romanas eram de fato muito influentes o que resulta em personagens como Giambatista Bodoni (1818), que criou um dos mais influentes manuais tipográficos desse período, a postular que a elegância, a regularidade e o bom gosto eram fatores cruciais no desenvolvimento de um tipo.

Desse modo, para Bodoni uma tipografia bela era aquela que possuía regularidade ou uniformidade, isto é a presença de elementos comuns em caracteres de um alfabeto; elegância e nitidez, o que é obtido por um severo trabalho de corte e acabamento dos punções; "bom gosto", formas agradáveis correspondentes ao espírito do tempo; "graça ou encanto" para Bodoni era o que nos faz perceber que a letra foi escrita com cuidado e com a naturalidade.

Tipografias como essa são encontradas muitas vezes estampadas em jornais impressos como Estado de Minas que possui um logotipo clássico e muito próximo de escritas romanas, o que remete ao Renascentismo, época de grande preocupação com a rasão e a verdade, conceitos chave de um jornal. Tipografia similar também é encontrada em revistas de moda como Vogue, em que a elegância é fator crucial na estética da revista.

Com isso notamos a mensagem presente por de trás de uma tipografia clássica, romana e uniforme, tão típica de um contexto pós-Renascentista e Industrial, perceptíveis na repetição de elementos nos caracteres.

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Brincando com a inocência [Carla Resgala] #2

Para o post dessa quinzena estava previsto pelo cronograma analisar as propagandas 1983/1984, porém houve alguns imprevistos, pois as de 1984 não estão disponíveis no youtube e nem nos sites das agências criadoras; sendo assim não teve como analisa-las.
De ante das circunstâncias fiz uma pequena inversão no cronograma e analisei propagandas de 1983 e 1985, deixando a de 1984 para um próximo, caso encontre as informações necessárias.

O comercial Primeiro Beijo, do anunciante Coca Cola- guaraná Taí, criado pela agência DPZ, foi premiado em 83.


Na época, o slogan do produto era “Gostoso como um beijo”, deste modo, Olivetto trás em cena a pureza e ingenuidade das investidas do primeiro amor e assim a conquista do primeiro beijo; tendo o guaraná em segundo plano, funcionando como objeto de aproximação entre os personagens.

Já no comercial de 85 da marca Estrela, o produto Boneca Amore é apresentado em primeiro plano em mais uma criação de Olivetto.

(vídeo traduzido para o inglês para ser veiculado no festival)


Na inocência de uma criança querendo com tudo brincar, a DPZ apresenta uma menina tratando um bebê como uma boneca. A comparação entre ambos acontece durante todo o comercial. Por mais que a menina tente interagir de forma igual, a Boneca Amore se mostra mais interessante e esperta que o bebê de verdade, mostrando que o mundo lúdico, para as crianças, é mais interessante que a própria realidade.

Observação: Estou tendo dificuldade para encontrar mais materiais sobre o festival de Cannes, pois não são disponíveis muitas informações na internet e na biblioteca da UFMG. Sendo assim, minha próxima tentativa será pesquisar materiais na biblioteca da PUC.

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A pesquisa na disputa eleitoral [Josué Benvindo] #2

Descobri que há diferenças entre marketing político e marketing eleitoral. Se seguirmos fielmente as definições do vídeo acima, na verdade, minha pesquisa é sobre marketing eleitoral. No Brasil, os meses de maio até o início do horário político eleitoral, em agosto, são considerados os períodos de pré-campanha. É quando o marketing eleitoral começa.

Já terminei o livro Como o eleitor escolhe o seu prefeito: campanha e voto nas eleições municipais, dos organizadores Antonio Lavareda e Helcimara Telles. Além de introdução e conclusão, li apenas o capítulo 4, que fala da disputa em Belo Horizonte. Parece que este livro é mais de ciência política e aborda menos as estratégias de comunicação; meu verdadeiro interesse.

No momento estou lendo Marketing político e persuasão eleitoral, organizado por Rubens Figueiredo. No capítulo 2 - O papel das pesquisas, Márcia Cavallari Nunes, diz:

“Podemos dividir o planejamento das pesquisas políticas em três fases distintas dentro de uma campanha eleitoral: mapeamento do eleitorado em termos sociais e políticos, posicionamento do candidato/partido e de forças concorrentes e acompanhamento propriamente dito da campanha”.

Para mim, mais do que um modo de conhecer a opinião pública, a pesquisa em si é um tipo de propaganda, pois há uma grande tendência da população em votar no candidato que está liderando.

No caso das eleições de 2008. Na pré-campanha, a candidata Jô Morais liderava as pesquisas. Após o início da propaganda gratuita na TV e rádio, Márcio Lacerda, o candidato com maior tempo de exposição, passou a liderar. Enquanto Leonardo Quintão se aproximou de Márcio no final do primeiro turno e chegou a ultrapassá-lo em 10 pontos percentuais no início do segundo.

Essas mudanças bruscas no comportamento do eleitorado mineiro serão explicadas na próxima postagem. Elas são fruto de uma eleição incomum, na qual houve até aliança entre PT e PSDB.

Observação:

Decidi mudar o cronograma, para que a construção do meu conhecimento tente seguir linearmente a construção de uma campanha. Então, a próxima postagem – terceira – será a que está planejada para ser a quinta (a construção da imagem dos principais candidatos). O resto do cronograma continua como foi entregue no plano da disciplina.

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Red Bull: Um case de sucesso [Arnaldo Garcia] #2

A Red Bull é uma bebida energética líder de mercado que se destaca como case de sucesso na utilização de um marketing agressivo e ousado. A bebida do touro vermelho que dá asas é uma potência indiscutível aos 20 anos de idade e distribuída em mais de 120 países.

O produto surgiu na década de 80 quando o empresário Dietrich Mateschitz, que estava de viagem à Tailândia, descobriu o príncipio da receita. Conheceu alguns compostos energéticos populares da região e voltou pra casa com a grande idéia na cabeça. O conceito polêmico provocou uma serie de testes científicos quanto a possíveis efeitos colaterais da taurina e cafeína. Nenhum deles até hoje comprovou algum mal oferecido pela Red Bull, fazendo a marca só crescer em vendas. Conhecido como “bom vivant”, sempre bronzeado e com um sorriso no rosto, o criador aos 61 anos ainda exala jovialidade.

Desde a fundação da empresa a marca foi responsável pela transmissão de um estilo de vida. Posicionando a construção da sua imagem no público jovem e nos esportes radicais, a bebida representa aqueles que se identificam com riscos, desafios e superação de limites. Coragem, ousadia e desempenho completam o espírito do produto.

Em média, a empresa investe 35% do seu faturamento anual bruto em marketing, sendo mais da metade destinada à realização de eventos criativos e ousados. Como prova da agressividade da empresa, 70% desses eventos são considerados de alto risco.

O diretor de marketing Paulo Navio acredita que quanto maior o risco, maior é o retorno para a empresa. Modalidades desafiadoras, segundo ele, colocam a marca como objeto de desejo. Um evento da Red Bull significa “a concretização de loucuras e sonhos que temos, acreditamos e gostamos”. A atitude rebelde brinca com os sentidos do consumidor o surpreendendo sempre.

E quem acha que a Red Bull só investe em grandiosos eventos está bem enganado. Para Pedro Navio o importante é a qualidade da idéia. “Não importa se uma ação tenha 50 pessoas ou mais. Quem estiver lá nunca mais esquecerá deste evento”. Caminhando nesta corda bamba entre o sucesso e o fracasso, as ações da empresa indicam um ramo incrível do marketing empresarial.

No próximo post aprofundarei sobre o marketing de eventos da Red Bull.

Fonte:
http://casesdesucesso.files.wordpress.com/2010/04/case_redbull.pdf
http://www.oficinadanet.com.br/artigo/webmarketing/redbull-e-pura-inovacao-no-marketing

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As várias faces da jornada do herói [Paula Pinheiro] #2

Quatro amigos fazem uma viagem a Las Vegas a fim de dar a um deles uma despedida de solteiro inesquecível. Ironicamente, quando acordam no dia seguinte, nenhum deles se lembra de nada do que aconteceu – nem de onde está o noivo. Esse é o resumo de Se beber não case, comédia lançada em 2009 que foi sucesso de bilheteria e ganhou uma sequência.

A narrativa tem como principais quatro amigos: Doug, o noivo, que quer apenas uma despedida de solteiro tranquila; Phil, o adulto irresponsável que odeia sua vida de casado; Stu, preso num relacionamento em que é constantemente oprimido; e Alan, o "esquisitão" que só foi convidado por ser parente da noiva. Apesar de ser um dos principais, Doug não é um dos heróis do filme, uma vez que não passa pela jornada ao longo da história – esse personagem é antes a recompensa buscada pelos heróis do que um herói propriamente dito.

As transformações porque passam Phil, Stu e Alan ficam evidentes nas cenas finais do filme: Phil abraça sua esposa e filhos, Stu cria coragem para terminar o relacionamento, e Alan se torna parte do grupo, deixando de ser o esquisito e se tornando um deles. Contudo, apesar de ser possível identificar momentos que marcam mudanças nesses personagens e na dinâmica do grupo, essas mudanças não estão necessariamente relacionadas ao que é retrata nas cenas finais.

Luzes da Ribalta, drama¹ de Charles Chaplin lançado em 1952, também se baseia em mais de um herói. O filme conta a história de Calveiro, um comediante aposentado que se vê com a tarefa de cuidar de uma jovem dançarina, Terry, atormentada por diversos problemas psicológicos que entram no caminho de sua carreira. Por ser de outra época, o filme segue um modelo diferente de Se beber não case. Seu ritmo é perceptivelmente mais lento e a história é mais longa, sendo composta de diversas "micro-jornadas" que dão continuidade uma a outra.

Algo que fica muito evidente em Luzes da Ribalta é a dinâmica de morte e renascimento dos heróis do filme. Campbell afirma² que o herói deve morrer simbolicamente (de forma a aniquilar seu ego) para renascer, também simbolicamente, com uma melhor percepção do mundo ao seu redor. Em Luzes da Ribalta, essa dinâmica ocorre o tempo todo, alternando os heróis: quando Terry está debilitada, Calveiro assume o papel de mentor que oferece apoio; mas assim que esse mentor sucumbe, passando por sua morte simbólica, Terry renasce, mais iluminada e segura, e toma para si o papel de mentora. Isso acontece de maneira alternada em diversos momentos filme.

Vários estágios da jornada ficaram evidentes nos dois filmes; de formas diferentes em cada um deles, claro. Contudo, por motivos de limite de caracteres, abordarei mais esses estágios no meu relatório final.

¹ A proposta original era que fossem analisados filmes de mesmo gênero a cada quinzena. Quando notei o erro no cronograma, considerei trocar de filmes, mas concluí que Luzes da Ribalta, devido principalmente ao contexto de produção cinematográfica em que foi realizado, ofereceria uma análise interessante, e, portanto, decidi mantê-lo.

² CAMPBELL, J. O herói de mil faces. 9ª edição. São Paulo: Editora Cultrix/Pensamento, 2004.

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Culturas do consumo [Ana Miranda]#2

Nesta quinzena, como foi proposto, li a parte III do livro ‘Comunicação e Culturas do consumo’ de Maria Aparecida Baccega. Texto bem mais específico do que o do primeiro post, com uma construção bem teórica dos aspectos do consumo em relação a sua importância como fenômeno social.

No capítulo 10 é retratado o exemplo do corpo na publicidade para construir a ideia de identificação do consumidor. Essa questão é muito bem abordada e interessante ao longo de todo texto além de ser a principal. O ponto retratado é que existem consumidores globais, ou seja, consumidores de marcas e produtos distribuídos mundialmente que se comunicam de maneira relativamente uniforme.

Também é um aspecto interessante do texto e bem condizente com o tema do meu projeto é a recepção no contexto da publicidade. Para o autor a recepção nesse caso é uma questão de identificação do consumidor. Entretanto, não reconhecer para si os padrões de certa marca não significa que não sejam de um padrão hegemônico.

No capítulo 11 a história da propaganda e do mercado consumidor do Brasil é contextualizada, para que no capitulo 12 sejam apresentados os autores que começaram os estudos no campo do consumo. O primeiro a ser citado foi Veblen e seu texto da ‘Teoria da Classe Ociosa’ de 1899, mas também Marcel Mauss e Lévis Strauss. Com esses autores procurou-se buscar a origem dos estudos em consumo, como por exemplo, a questão das trocas e o que elas representaram para o desenvolvimento de uma maneira de pensamento. Uma citação relevante é: “O consumo é um discurso capaz de criar múltiplas mensagens a partir de um código, permitindo, como operador de um sistema de classificação, aproximar e diferenciar grupos de pessoas através das coisas e vice-versa.” Pág 189.

No capítulo 13 o assunto em questão foge um pouco da temática e aborda a relação do trabalho com consumo baseando-se nos conceitos de Marx e Engels. Já no ultimo capítulo o foco fica com a relação entre publicidade e consumo. Para Baudrillard a publicidade é apenas um álibi para o consumo. Mas essa questão vai se adequar com o próximo post. De forma geral esse livro foi muito útil e com informações extremamente relevantes para o tema de estudo.

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Mais construída do que se imagina [Karina Carvalho] #2]

Capa Capricho do mês de maio 2012

Esta quinzena foquei na análise da revista Capricho do mês de maio ( edição nº 1148), que traz em sua capa o ator Ian Somerhalder da série The Vampire Daries. Ao observar a capa da revista, as matérias em destaque chamam a leitora para editoriais de moda e cabelo, e como matéria de destaque, a entrevista com o ator Ian. A divisão de temas da revista ocorre da seguinte forma: 

Entrada - onde são postadas as cartas das leitoras, fotolog e a carta da editora.

Famosos - fofocas do mundo dos ídolos teen e fotos de seu dia-a-dia.

Beleza - ocupa uma das maiores partes da revista, com dicas para COPIAR a maquiagem e os looks de famosos, lançar tendências, e sugerir para as adolescente modelos de beleza a seguir.

Moda - traz as novidades de moda, e traz estilos a se copiar de acordo com seu corpo, e vários outros estilos a se seguir.

Você - é a parte em que a revista faz o papel de amiga da leitora, respondendo  à questões típicas da adolescência com embasamento psicológico. Como o exemplar é referente ao mês das mães, a matéria "Manhê" p.78 "ajuda a decifrar" qual tipo de mãe é a sua, e em outras reportagens explica o surgimento do dia das mães.

Diversão - a revista fecha com matérias de humor, de micos, horóscopo, e indicações de filmes, livros e música.

A leitora é sutilmente "cobrada" a estar sempre linda, mesmo quando a revista diz que é possível ser feliz estando fora dos padrões, ele com certeza já foi seguido por algum famoso, ou anônimo que você deve copiar pra alcançar a felicidade.

A felicidade então, se torna uma questão de ter e de ser. Muito mais de ter na verdade, já que a quantidade de anúncios publicitários ao longo da revista é algo perceptível.

A adolescente modelo passada é bem-humorada, amiga fiel, antenada no mundo dos famosos, e está no início de sua vida sexual. Ainda é uma garota que se arruma para os meninos, e age de forma a conquistar o homem, a adolescente passada pela capricho ainda pensa mais em sua imagem diante do mundo e dos meninos.

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Agora ou Nunca [Laura Marques de Oliveira] #2

Nesta quinzena tive problemas, pois o quadro que gostaria de analisar neste post é o Agora ou Nunca, mas ele não foi veiculado nos últimos dois sábados. Neste quadro as pessoas enviam cartas para o programa e uma delas é escolhida para ir até o set do Caldeirão do Huck para tentar ganhar prêmios. Porém, a premiação só é entregue se o participante conseguir passar pelas provas criadas pela produção do programa. Nas palavras do apresentador Luciano Huck: “As coisas têm que ser batalhadas para serem saboreadas”.

Primeiramente, a “personagem” escolhida para fazer parte do quadro é sempre alguém que esteja passando por grandes dificuldades financeiras e que tenha projetos de vida; como foi o caso do Agora ou Nunca do dia 28 de janeiro, o primeiro que analisei.

No quadro, o participante era Josevaldo Silva, maestro que ensina música para crianças num dos bairros mais pobres da cidade de Conceição do Coité, na Bahia. Ao longo do programa mostra-se que a orquestra de crianças ministrada por Josevaldo precisava de mais recursos. A escolha dessa personagem já aponta a característica neopopulista do quadro. Josevaldo é mostrado como alguém que merece os prêmios por não ser financeiramente abonado. Outro aspecto é o da nobreza da causa que Josevaldo representa, algo que é constantemente lembrado por Luciano Huck. Enquanto o maestro realiza as provas fala-se também sobre as dificuldades que ele passa para concretizar o projeto para as crianças da cidade. Dessa maneira o participante torna-se grande merecedor do prêmio como homem pobre, necessitado (retrato da classe que o neopopulismo prioriza). Durante as provas Luciano torce por Josevaldo e se mostra como aquele que deu tal oportunidade para o homem; aparece, então, o líder carismático, típico dos populismos (neo e tradicional). No quadro a ideia de mérito (Josevaldo “lutou” pelo dinheiro) aparece claramente; como se o maestro tivesse conseguido o dinheiro sozinho. Quando, na verdade, o processo para chegar ao prêmio, não preparou o participante em nenhum sentido para administrar a quantia que recebeu.

Quadro "Agora ou Nunca" analisado:

Acesso em: 13/04/2012

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